Наша московская калининградка!

    «Аннета...

Аннушка...

Анюта...

Но тот, кто Анной не рождён,

Подумает, как это «круто» -

Разнообразие имён!

А это всё одно и то же ,

Всё это - Анна!

Всё – она!.. »

       В.П.

Да, это всё она – Анна Юрьевна Трифонова. Именно ее мы называем «наша московская калининградка». Почему московская и почему калининградка? Об этом чуть позже. А пока, если взять самые краткие сведения о ее творческой жизни, то мы с вами узнаем следующее: «Анна Трифонова в 1997 году окончила режиссерский факультет Российской Академии театрального искусства (РАТИ-ГИТИ - курс профессора Л. Хейфеца, Н.Зверевой, О. Кудряшова). С 1998 года, по окончании аспирантуры - преподает на режиссерском факультете в мастерской Л. Хейфеца, а с 2002 года - на факультете музыкального театра в мастерской А. Тителя и И. Ясуловича. Основные постановки: "Карьера Артура Уи, которой могло не быть" Б. Брехта (театр "TIF", Дрезден); "Двое поменьше" Е. Нарши (Нижегородский областной театр драмы); "Свидание с Бонапартом" Б. Окуджавы (Академический театр драмы, Омск); "Старомодная комедия" А. Арбузова (Московский областной Камерный театр); опера "Дитя и волшебство" М. Равеля (Детский оперный театр, Дубна); "Лисистрата" Аристофана (театр "Комедiя", Нижний Новгород). В театре "Глобус"  г Новосибирск Анна Трифонова поставила спектакли» «Белоснежка и семь гномов» и «Малыш и Карлсон». Разумеется, сведения эти с каждым днем устаревают, ибо нет дня в биографии Анны Юрьевны, когда бы она не была занята каким-либо театральным проектом.

Что же касается определения «наша московская калининградка», то это связано с тесным творческим контактом Анны Юрьевны Трифоновой с коллективом одного из самых молодых в России – Калининградского областного музыкального «Театра на Бассейной». Скажем сразу, что творческий опыт одаренного коллектива с режиссером-постановщиком Трифоновой начался с комедии Аристофана «Лисистрата», а сегодня продолжается уже в проекте с постановкой «Принцессы Турандот» по Карлу Гоцци. Между этими двумя работами – шесть лет и - "Гроза" А. Островского, "Трехгрошевая опера" Б. Брехта, К. Вайля , «Как я хотела стать знаменитой» Е.Исаевой и «Безумный день или Женитьба Фигаро» П.Бомарше.

Первое знакомство – работа над «Лисистратой» по Аристофану. Чем, казалось бы далекий грек мог быть интересен и близок столь юному поколению? Оказалось, что выбор Анны Трифоновой был безошибочен.

Я спросил у Анны Юрьевны, чем  он был обусловлен. «Да тем, сказала она, что это все же была, как бы учебная работа. Соприкосновение со школой еще «дымилось» в сознании калининградских «гитисовцев», в их телах, в их пластике». Аристофан! Нечто и далекое, и манящее было в этом имени»

Это правда. Многие любители театрального искусства и кино помнят, так называемые «бабьи бунты», взять хотя бы знаменитую «шолоховскую» историю, когда бабы восстали против мужиков «из-за полного к ним невнимания». Так вот именно Аристофан первым  это умение женщин достигать любви и мира, благодаря своим «женским» подходам к личной жизни, поднял на недосягаемую высоту, но, пользуясь исключительно приемами комедии! Хотите любви – уступайте женщинам!  Так что это сегодня в какой-то мере может заменить и «телеуроки» Доктора Курпатова, и быть своеобразным «учебником жизни» для женщин... Впрочем, и для мужчин – тоже!

«Лисистрата» на Бассейной действительно, на мой взгляд, была проверкой на профессию, на умение быть органичными, пластичными, смешными и серьезными, уметь существовать в рисунке и концепции, предложенной режиссером. И именно эти умения и проявились в спектакле в полной мере. Зал и сцена, то и дело превращались в единое пространство, в котором зрители не просто соучаствовали в происходящем, но, похоже,  не отделяли себя от персонажей. Это был успех. Успех нового молодого театра, завоевывающего такого же молодого и темпераментного калининградского зрителя.

Спектакль наверное, мог бы быть довольно скабрезным, если бы режиссура следовала точно, скажем, ремаркам и указаниям автора, не делая скидок на огромную временную дистанцию, разделяющую нас, калининградцев и великого Аристофана. Впрочем, ведь им великим, все можно. Всякое «лыко у них в строку...»( не про греков будь сказано!) И все же, исследуя природу аристофановского юмора, Трифонова сумела удержать свое детище на той грани совершенства, которая, как на коромысле, уравновесила и талант автора и своё умение преподнести его зрителю сегодняшнему. Слава богу и педагогам Гитиса-РАТИ, подарившим Анне Трифоновой прекрасную профессиональную школу, ничего «анти» не произошло. Режиссер оказался удивительно в меру деликатным и с великолепным ощущением юмора и реальности.

Заметим, что Лисистрата» калининградцев была участником Всемирной театральной Олимпиады в Москве и была высоко оценена зрителями и прессой. А сегодня, спустя много лет, на нее все так же трудно достать билетики в театре на Бассейной, как и дни премьеры.

Первая работа в новом коллективе весьма примечательна. Помнится и успех. Однако, как и спорте, где легче стать чемпионом, чем отстоять это звание, в театре этот постулат тоже имеет место. Следующая работа, которую предложила Художественному руководителю театра, Заслуженному деятелю искусств России Валерию Лысенко Анна Трифонова, оказалась «Гроза» А.Н.Островского. На сколько я в курсе и, как вспоминает сама Анна Юрьевна, предложение не сразу было встречено с энтузиазмом. Оно и понятно. Настолько хрестоматийный материал. Настолько много раз ставленный, настолько много раз виденный, да еще в школе изучаемый, с набившим всем оскомину «Лучом в темном царстве», что только свой взгляд на эту историю, свое ощущение этой пьесы могли убедить в необходимости осуществления «Грозы» на сцене молодого театра. И, оказалось, что как раз свой «трифоновский» взгляд на «Грозу» был. И впоследствии это даже отразилось в жанре спектакля: «народная фольклорная драма».

Во всяком случае, телеграмма, которая была получена театром на премьере спектакля из Москвы от Народного артиста России, Лауреата Государственной премии, профессора РАТИ, на ту пору - координатора творческих проектов театра на Бассейной - Леонида Хейфеца, весьма красноречиво говорит об удачном выборе:

«Я бесконечно счастлив, что в свой первый сезон областной музыкальный театр поставил одну из лучших пьес российской драматургии - «Грозу» А.Н.Островского. Я вижу в этом принципиальный поступок театра. Это особенно важно сейчас, когда сверхсерьезное содержание часто отходит на второй план и мы не предлагаем молодежи ничего, кроме развлекательной пустоты. В сочетании приглашенных режиссеров-звезд, таких, как Дмитрий Бертман и талантливых режиссеров-педагогов, таких, как Анна Трифонова, я вижу очень серьезный смысл движения театра вперед. Здоровья и сил театру и всем, кто в нем творит.» Ваш Леонид Хейфец. (2002г)

Приведу и слова впечатлений, которые подарил создателям спектакля калининградский журналист Виктор Кондаков в региональной газете «Известия». « …И БУДЕТ ЯБЛОКО И ПЕРВОРОДНЫЙ ГРЕХ», так назвал он свою статью:

«Если вы не согласны с Добролюбовым, то этот спектакль для вас! Молодой театральный коллектив, обратившись ... к «Колумбу Замоскворечья» -А. Н.Островскому, сумел разглядеть за привычной завесой «бытописания» мир таинства души, мир крайних вопросов человеческого бытия. «Гроза» идет практически без купюр. Случай для современного театра довольно редкий, если не сказать – исключительный. Рисунок игры, сценография, музыкальное оформление позволяют режиссеру Трифоновой построить ассоциативно-метафорический, символический ряд, смысловое пространство которого есть пространство постижения текста…. Все случится в канун Яблочного спаса и яблоки, которые поспевают, как известно, к этому дню, станут лейтмотивом спектакля…Их грызут, прячут, откладывают, чтобы потом насладиться в полную меру, Яблоко это метафора –«запретный плод сладок» и символическое напоминание о первородном грехе Адама и Евы. Их современные имена –Катерина и Борис…. «Грех», а не «Гроза», наверное, должен был бы называться спектакль. Он о несовершенстве человека, слабости его природы, о вечном соблазне воли – частице первобытного хаоса в душе человека. Все герои подвержены этой страсти, но у каждого свой канат, сдерживающий полет и ввысь, и в пучину. А те, кто разжал руки, достойны прощения. Простят ли?».

Возможно, рецензент прав. Он четко уловил саму атмосферу спектакля и то, что скрывается в этой туманной дымке деревенского бытия. Дымка эта, как возникшая над рекой пелена из солнца, воздуха и воды... Сквозь нее взглядом прорваться нелегко, но, если тебе это удалось, ты проникаешь в самые глубины существования и начинаешь прозревать: вот оно оказывается как! Да, так. И становится понятным многое. Например, что дело не только и не столько в домострое, о котором, касаясь «Грозы», писали многие и многие... Да и в тексте об этом есть немало. Но это слова.... А жизнь, порою, утверждает и не только это. На мой взгляд, в спектакле проявилось явление, которое и на сегодняшний день характерно и для нашей «новороссийской» жизни: проблема слабых и сильных мужчин. Профицит первых и дефицит вторых. Такой страстной и сильной натуре, которой является Катерина не хватает любви такой же страстной и сильной, не хватает такой же самоотреченности в чувствах, какими обладает она. Каковы они – мужчины спектакля театра на Бассейной? Тихон (арт. М.Матвеев) и Борис (арт.С.Сапачев), – почти ни чем не отличаются в итоге друг от друга. Ну да, один несколько лощенней другого, поцивилизованней, что ли. Любит ли Тихон Катерину? Нет сомнения, любит. Любит ли ее Борис? Любит! Да, пожалуй, не меньше Тихона! А вот каково предмету их любви – Катерине? Оттого и похожи ее чувства на какой-то увядший цветок к Тихону, что не дал он расцвести этим чувствам, не защитив их от ежедневной материнской «прополки»! Вот он, любимый, но слабый мужчина. И он же первая ступенька к будущему омуту... Борис! Городской, относительно независимый, гордый Тот же Тихон: ни на что решиться не в силах! А край его решимости тут – за дядюшкиным окриком!... Вот она и вторая ступенька к омуту... Ни с тем, ни с другим нет и не может быть огромного счастья, о котором грезит Катерина. Скажут, что так автором определено. Так в этом и есть несчастье любящей без предела души! Катерина в этом «фольклорном» пространстве – в этой писанной красоте с ее песнями раздушевными, обрядами красивыми и яблоками дурманящими – не «луч света», а человек лишний. И жалко ее неимоверно. А помочь нечем. Так в каком-то возвышенном полете и уходит она из жизни не в пучину вод, а к своему освобождению...Актрисе С.Цыганчиковой удается пронести эту мятежную суть своей героини через весь спектакль. Пожалуй, все образы спектакля оказались открыты зрителю своеобразно, не похоже на то, что уже было видено прежде или читано: и Кабанихи (Е.Мочалова и Ю.Домаш),Тихона и Бориса, Варвары ( Г.Кузнецова и Т.Повх), Кулибина (А.Арнтгольц) и др.  Взгляд режиссерский проставил в их решении так неожиданно акценты и нюансы, что хрестоматийное зазвучало неким «раритетом». Есть в спектакле свое многотемие и о каждой из тем можно писать отдельно и подробно, но мне показалось важным заострить внимание на вышесказанном.  

«Молодая труппа театра все более и более овладевала искусством театра музыкального и поэтому то счастливое сочетание драматического и музыкального начал, которым обладали артисты, мне захотелось дать им выразить на хорошем материале. Именно таким мне показался вариант «Трехгрошовой оперы» Бертольда Брехта и Курта Вайля», - так считает и теперь Анна Трифонова, говоря о том, что совершенно не сожалеет об этом выборе. А газета «Калининградское время» тогда отмечала:  

«Театр на Бассейной упорно не собирается опускать планку уровня своих спектаклей, а с каждым разом пытается взять еще большую высоту и пока, слава богу, ему это удается. Обратим внимание на завершение «бассейновцами» театрального сезона. Закрывают они его новым спектаклем и каким? Знаменитой «Трехгрошовой  оперой»! Знаменитой даже не по количеству версий на сцене мирового театра, а по тому хотя бы, что именно она – трехгрошовая – стала первым образцом «балладной оперы», а затем и мюзикла. Всякий раз, берясь за воплощение такого материала, театры ставят перед собой, разумеется, разные задачи, как художественные, так и, в свое время, идеологические. Трудно тому, кто пытается сотворить из этого произведения развлекательную безделку. Анна Трифонова взялась за «трехгрошовую оперу» в первую очередь наверняка потому, что:

«Мне кажется, что Брехт в какой-то мере несчастливый драматург, хотя то что знал и о чем рассказывал немецкий классик, будет современно всегда. Он открывает темную сторону человеческой души, о которой люди предпочитают умалчивать. Сегодняшняя Россия очень напоминает Германию тех лет. В нашей стране появилась определенная категория молодых ребят, которые считают, что ради денег, власти, карьеры они могут красть, обманывать, предавать друзей, убивать. Брехт был оптимистом и говорил правду, а это не всегда приятно. Брехт говорит, что каждый в определенный момент должен делать выбор». Это цитата того, что Анна Трифонова говорила в 2003 году. Над сценографией спектакля тогда трудились москвичи – Влад Мартиросов и Анастасия Глебова , пластикой занимался  известный Альберт ( работавший тогда у Кирилла Серебрянникова). Спектакль идет и по сей день. Хочется добавить, что, несмотря на «суровость» обозначения жанра в программке – « криминальная история только для взрослых», спектакль гораздо шире, ярче, разнообразнее, а главное, действительно в художественной, (а не поучающей! ) форме преподносит нам историю взаимоотношений умных и не очень, молодых и не очень, искренних и не очень, влюбленных и не очень, коррумпированных и не очень, но во всех случаях, - знакомых нам всем персонажей и нашей жизни. Слава постановщикам и артистам, нет этакого поучающего тона в «бассейновском» спектакле. Есть единая увлеченность, есть индивидуальная разработка каждого образа и истинно «дирижерское» умение соединить все это в своеобразное действо, каковым оно и представлено калининградскому зрителю. Музыкальная составляющая спектакля – одна из главных: она проходит через все действо, как бы собирая  темы, ритмы и темпы звено за звеном в единую звучащую страну, в коей живут персонажи, поступают по своим законам и достигают или не достигают своих целей.

Пьеса на «современную тему» - всегда манит любой театр и всегда ставит его перед непростым выбором. О чем говорить сегодня! На чем заострить внимание зала? В свое время известный советский поэт Егор Исаев написал поэму «Суд памяти». Поэму о жизни, смерти, войне и мире... Спустя многие годы, вероятно однофамилица – Елена Исаева написала произведение «Про Маму, Бабу Раю и про Меня»... «Каждый человек чего-то хочет от жизни,- сказала Елена Исаева в одном из интервью. И действительно, именно наши желания и стремления строят нашу жизнь и, часто, даже судьбу.  Елена Исаева выстроила свою судьбу таким образом, что Закончила факультет журналистики МГУ, выпустила три книги стихов, в 1995 году стала лауреатом конкурса «Радио России» на лучшую пьесу о подростках («Мой знакомый уголовник»), в 1997 – лауреат Всероссийского конкурса журнала «Современная драматургия» на лучшую пьесу о Москве -(«Вечная радость»). Было еще множество наград и пьес, и их постановок... Спектакль в театре на Бассейной явно оказался удачным. Ибо в данном событии, о котором хотелось говорить и писать, счастливо все обстоятельства и персоны. Во-первых, театральная площадка областного музыкального – одна из самых удобных для подобных эксперементальных поводов. Анна Трифонова – режиссер и художник в данном случае одновременно. Золотой запас молодого театра – три осуществленные до этого ею работы –«Лисистрата», «Гроза», «Трехгрошовая опера». А еще актеры, которые стали по существу, соавторами спектакля –Елена Домаш, Светлана Цыганчикова, Елена Мочалова, Матвей Матвеев и Станислав Сапачев – всегда готовые к неожиданному эксперименту… Мужчинами для нас, зрителей, сыграны судьбы, судьбы и еще раз судьбы… А помноженные на удивительные женские образы спектакля – это прекрасно сыгранная новелла жизни, в которой зрителям есть чему порадоваться, чему поучиться и даже чему позавидовать…. Сегодня вполне можно считать экспериментом создание cпектакля-исповеди молодого человека (девушки) впитывающего окружающую его жизнь, задающего себе и другим самые неожиданные вопросы и получающего такие же неожиданные ответы. «В пятнадцать лет, какие огорченья? Мальчишеские беды нам не в счет: ушел из дома, попроси прощенья... Расстался с ней, до свадьбы заживет!»- Так когда-то написал об этом «переходном» возрасте Константин Симонов. И это все вполне касается героини Елены Исаевой. Скажут некоторые, мол ничего особенного. А по мне, именно этого «ничегоособенного», но в такой рельефной форме подачи и в таком ярком исполнении не присутствовало на калининградской сцене. Может быть, с тех восьмидесятых, когда на сцене областного драматического шла пьеса-исповедь Владимира Тендрякова «Ночь после выпуска»! Поверьте, что столь же давно вы не слыхали такого»хорошего» ( читай, настоящего) русского языка).В общем, для слуха наслаждение. Для глаза тоже многое можно обнаружить. Все образы женщин, которых талантливо ( не разбрасываюсь терминами, а так и считаю) сыграла Юлия Домаш. В каждом образе, а их не менее семи, найдены такие изумительные подробности, вызывающие то добрый смех, то наворачивающиеся слезы, выявлены характеры таких людей, которые видел, знал, но мимо которых в жизни проходил мимо, не дав себе труда увидеть в них то, что смогла и актриса и героини спектакля.

Роли мам не всегда наполнены хорошим «игровым материалом». Уверен, что Елене Мочаловой эта роль пришлась по душе, потому что нам, зрителям, с ней в спектакле было интересно. Сыграно здесь все- и судьба, вроде бы как у наших мам, а вместе с тем и не такая, особая. Сыграна своя любовь и любовь к дочке. В спектакле актрисе все оказалось « по плечу! Умение Светланы Цыганчиковой, играя главную героиню, не играть возраст, не сюсюкать на детский манер, а вести с нами разговор на равных, разговор, требующий от нас душевного отклика,- это явный плюс спектакля ибо огромная ответственность лежит на хрупких плечах актрисы. Все, сыгранное героиней, не раздробилось на некие клипы, как это теперь зачастую принято. Поэтому и получилась история, давшая название спектаклю, история о том, как «Я хотела стать знаменитой». Разумеется, эта история не могла бы сложиться без участия мужских персонажей. Они очень даже существовали в исполнении Станислава Сапачева и Матвея Матвеева ( в дальнейшем - Антона Арнтгольца). Нельзя не уважать и не похвалить этих актеров. Они тоже исполнили не по одному, а по несколько образов. И в каждом – узнаваемое, неожиданно и трогательное, и мужественное, и смешное, и печальное.. Одноклассник,-спортсмен, красавец, культурист, командующий фронтом, офицер-фронтовик – это Станислав Сапачев. Счастливое дарование его состоит в том, что кажется все ему дается легко, безо всякого труда...Спасибо артисту за эту «легкость!». Что касается Матвея Матвеева, то изображение им «маленького человека» по меркам великой русской литературы крепнет в его мастерстве с каждой ролью. Это радует и обнадеживает. Удача мужских персонажей помноженная на такую же удачу персонажей женских и рожденная к тому же мастерством режиссуры Анны Трифоновой – дала возможность зрителям чему-то посочувствовать, ему-то порадоваться, чему-то поучиться и даже чему-то позавидовать, а в результате удостоить этот спектакль высокой награды – премии Мэра Калининграда - «Вдохновение», полученной театром в год 750-летия города.

Следующей встречи Анной Трифоновой актеры ожидали, как праздника. Именно праздником хочется назвать то, что сотворила  режиссер-постановщик Трифонова нового спектакля с актерской труппой молодого театра и, что немало важно, привлекая к творчеству студентов калининградского курса РАТИ мастерской Народного артиста России Дмитрия Бертмана. Молодые творческие силы плюс отменный драматургический материал, плюс многообразная музыкальная партитура спектакля да еще все это так элегантно размещено в красочном, уютном цветном пространстве! Графически точно простроенные мизансцены, ритм спектакля, везде точно работающий и на сюжет, и на характеры персонажей, - это приемы мастерства Анны Трифоновой и мы, уже видевшие ее работы на сцене театра на Бассейной, еще раз убеждаемся в счастливой судьбе такого сотворчества.

Не открывая тем, кто еще не побывал на «Женитьбе Фигаро», всех неожиданностей и сюрпризов спектакля, отметим главное его достоинство: он интересен зрителю, он увлекает его своим озорством, иногда на грани бравады, своими легкими дуновеньями иронии и пародийности. Галантный век с сегодняшней точки зрения, с точки зрения уважения и к автору, и культуре, и к нынешнему зрителю. Особенное уважение к зрителю, на наш взгляд, автор спектакля Анна Трифонова проявила в тонком умении «купировать» текст пьесы, содержащей более двухсот страниц! Именно благодаря этому, зрители имеют возможность не четыре часа разгадывать плутовские интриги Фигаро, а стремительно, как бы на одном дыхании, вместе с ним и другими героями прожить события этого «безумного дня»!

Несомненно интересны актерские работы в спектакле, где каждый образ, как бы хрестоматийный, знакомый по исполнению в спектаклях звездных театров. В этом была некая опасность: непременно станут сравнивать. Но сравнивать в данном случае нет никакого смысла: спектакль «бассейновцев» именно потому авторский, что не похож ни на какие московские или питерские постановки.  Он эксклюзивен. Нравится это кому-то или нет. Хочется отметить, что молодые актеры театра уже в течение пяти лет, осваивая профессию, утверждаясь в ней, научились в каждой новой работе находить и новые краски для своих образов, и иную пластику, и всякий раз особое проникновение в суть образа. Нельзя не отметить эту «разность», эту «несхожесть» в игре Станислава Сапачева и Федора Памбукиди (Фигаро), Антона Арнтгольца и Михаила Ляхова (Граф Альмавива), Юлии Домаш ( Сюзанна), Елены Мочаловой и Светланы Макаревич ( Графиня), Галины Кузнецовой и Антона Макеева (Керубино), Евгения Макаревича (Бартоло) или, скажем, Алексея Зинякова и Олега Сингицына ( Судья), Михаила Шавякова и Ильи Рихтера (Базиль), Натальи Хасановой и Ольги Яблонской (Марселина) Надежды Шецко и Ирины Абрамовой (Фаншетта)). Те, кто постоянно ходит в театр, знает и любит его спектакли, вполне с этим согласятся: у актеров настоящая театральная школа, у них были, ( а у студентов и нынче есть!) талантливые педагоги и это сказывается на творческих результатах. Отличительной чертой этого театра является постоянное вовлечение в самый даже ответственный творческий процесс дебютантов - студентов калининградского курса РАТИ. И в данном спектакле это оправдало себя полностью: вся зажигательная атмосфера народных сцен, ритмика игры, танца, задора во многом зависит от них, только начинающих свой путь в искусство. И это обнадеживает: театр ожидает хорошее пополнение. Особой благодарности за юмор, за хорошее восприятие зрителями этакого комического миманса  достойно трио - Василия Бухарина, Николая Перлухина и Ильи Борбачкова. Их «фонтаны» и «каштаны» - особые итермедии – ни на секунду не оставляли равнодушным зрительный зал. Музыка, написанная специально для спектакля Константином Белоноговым - арии, дуэты и трио ( тексты их сочинил Ваш покорный слуга) - в финале спектакля так умело режиссурой сплетенная со знаменитым «А браво, Фигаро, браво, брависсимо!»,  украшает спектакль и делает не просто музыкальным, а легким, воздушным, наполненным оптимизмом.

Первые впечатления никогда не хочется перемежать с теми недочетами или шероховатостями, которые несомненно пока есть. Но тем и отличается театральное искусство от иных видов, что здесь нет предела совершенству, а достигать его можно с каждым последующим спектаклем. И, судя по азарту с которым играется спектакль, его движение к лучшему будет происходить непременно.

Премьера этого сезона – спектакль «Турандот» по пьесе Карло Гоцци – еще один совместный театральный проект театра и Анны Трифоновой.  «Сказка  о  "Турандот,  принцессе  Китайской",  впервые была поставлена труппой Сакки в театре Сан Самуэле в Венеции 22 января 1761 года и шла с успехом семь вечеров подряд так что моя фантастическая пьеса не умерла тотчас же после своего рождения а её играют ежегодно с неизменным успехом...»- Так писал в свое время сам Карло Гоцци. Драматург, разумеется, не знал, что станет с его произведением, века спустя, а между тем и вот уже несколько столетий «Принцесса Турандот»  не оставляет равнодушным ни один зрительный зал.

 «Этот спектакль перевернет представление о театре на 180 градусов. В буквальном смысле перевернет. Его будут играть в зрительном зале, а ваше место окажется на сцене», так начнет свою статью о спектакле «Турандот» в региональной газете «Известия-Калининград» Сергей Гущин. «Только не ищите в этом никаких скрытых и тайных смыслов. Нет в этом и политического подтекста и даже намека на авангардизм. «Турандот» окажется тем, чем она и должна быть по умолчанию: «пятиактным представлением, наполовину серьезным, наполовину шутливым...» Так некогда писал о своей «Турандот» сам драматург. И театр на Бассейной поспешил исполнить завет Карло Гоцци. Ну, разве что актов стало не пять, а два, как и положено в современном театре. А вот серьезного и смешного оказалось действительно примерно пополам. Хотя нет, смешного чуть больше...» Напоминание в программке о том, что не будет причин сравнивать спектакль выдающегося Евгения Багратионовича Вахтаногова со спектаклем театра на Бассейной справедливо. Режиссер избежала соблазна соперничать с театральной историей и предложила свой вариант. «Лейтмотив пьесы прост, безыскусен и традиционен»,- продолжает Сергей Гущин, -»: в мире существуют мужчины и женщины, иногда их пути пересекаются и каждый из них оказывается в нужное время в нужном месте. Так вот в трактовке Анны Трифоновой между ними случается некое подобие «мордобития», перемежаемое китайскими церемониями. С непременным отрубанием головы несчастного царевича из Самарканда в начале и свадьбой в конце. А все потому, что разделение человечество на «М» и «Ж» фатально и необратимо, неслиянно и нераздельно. Оно и воплощено в Калафе (арт. Станислав Сапачев) и Турандот ( арт.Юлия Домаш). Их отношения нельзя классифицировать,как любовь. Это спор, игра, поединок сражение. А спектакль - ни что иное, как рассказ о «правиле боя», правиле борьбы. Борьба эта вечна , потому что в ней... движение все, а цель ничто. И именно борьба держит в напряжении зрителя, а спектакль превращает в красочное и стремительное действие.

 «Турандот» на Бассейной безупречна с технической точки зрения. Пластика, жест, игра, речь – выше всяких похвал. Что-то иное сказать о спектакле сложно. Да, наверное, и не нужно. Временами хотелось, чтобы актеры не были столь серьезны и относились к своим героям с некоторой долей иронии. Да и трагедийность еще не назрела в полной степени. Но это частности. Назреет. В целом же, все было хорошо и вовремя. Таким и должен быть хит сезона. А спектакль имеет все шансы им стать. В нем счастливым образом совпали и режиссура, и сама пьеса, и актерская игра...» .

  Заключая этот своеобразный творческий портрет Анны Трифоновой, режиссера-постановщика, хотелось бы отметить ее роль и как педагога, который вырастил за шесть лет сотрудничества с театром на Бассейной таких артистов, как Елена Мочалова, Михаил Ляхов, Станислав Сапачев, Матвей Матвеев, Юлия Домаш, Наталья Хасанова, Антон Арнтгольц, Светлана Цыганчикова и многих других, с которыми ей в каждой работе так легко находить общий язык.

P.S.

Отмечу, что «театр Трифоновой» на Бассейной 42 в Калиннграде продолжается и  уже поставлены спектакли - «Бешеные псы» по Тарантино (эксперментальный спектакль) и «Жизнь прекрасна!» по пьесе Н.Эрдмана «Самоубийца!» И «Вишенвый сад», комедия А.П.Чехова... 

Фотограф - Юлия Алексеева